L’Agence pour les Affaires culturelles du gouvernement japonais a lancé une nouvelle initiative appelée CULTURE GATE to JAPAN, et Tôkyô se taille la part du lion avec trois sites consacrés à ce projet.
- L’aéroport international de Tokyo (Haneda)
L’aéroport international de Narita - Tokyo International Cruise Terminal
En dépit des restrictions liées à la crise sanitaire, ces œuvres illustrent les diverses entrées du pays en attendant le retour des touristes.
L’aéroport international de Tokyo (Haneda)
L’aéroport international de Narita
En effet, si la popularité croissante du Japon auprès des visiteurs des autres pays d’Asie a rendu les aéroports d’Osaka, de Fukuoka et de New Chitose plus fréquentés que jamais, les aéroports Haneda et Narita, à Tôkyô, restent les deux principales portes d’accès au pays, avec un trafic annuel combiné de près de 85 millions de passagers.
Organisées par Paola Antonelli, conservatrice principale de l’architecture et du design au Museum of Modern Art de New York, le projet de deux aéroports a pour thème VISION GATE et cherche à explorer le concept de « vision », du passé vers le futur, et son rôle de fondement de la culture japonaise.
Le terminal 2 de Haneda présente Crowd Cloud (2021), une forêt de dizaines de klaxons sur pied d’où émane une Babel de sons apaisants qui nous rappelle les personnes qui attendent des amis et des parents dans le hall d’arrivée d’un aéroport. Cette installation évocatrice et accrocheuse a été créée par SUZUKI Yuri et HOSOI Miyu, dont le travail examine souvent les possibilités du son et de la musique dans nos expériences quotidiennes. Le travail créatif de SUZUKI s’étend aux domaines du design, de la musique et de l’art. Cette fois, il s’est occupé de l’aspect visuel de l’installation, en utilisant des cornes fabriquées par des artisans traditionnels de la préfecture de Toyama.
L’artiste sonore HOSOI, quant à elle, a contribué en enregistrant 7 000 fichiers audio de sa voix avant de les manipuler par ordinateur. À l’origine, elle avait prévu d’utiliser la langue japonaise telle qu’elle est, mais elle s’est rendu compte que si, pour un étranger, cela ressemblerait à une musique extraterrestre, les passants japonais comprendraient ce qui se dirait, rompant ainsi le charme magique qu’elle et SUZUKI voulaient créer. Ils ont donc opté pour la distillation de la langue japonaise en sons universels.
L’installation sonore qui en résulte devient ainsi une « musique pour les aéroports » – une composition unique qui, tout en gardant la voix humaine en son cœur, devient une expérience inédite qui transcende les frontières et les cultures.
Le hall d’arrivée du terminal 3 de Haneda est un couloir apparemment sans fin d’environ un kilomètre de long, bordé d’un mur de verre qui donne sur le tarmac. C’est là que six courtes vidéos sont diffusées en continu sur des moniteurs suspendus au plafond. Ces vidéos plongent les voyageurs dans la culture extraordinairement riche et éclectique du Japon. Les mêmes œuvres sont exposées aux halls de départ des terminaux 1 et 2 de l’aéroport de Haneda ainsi qu’à l’aéroport international de Narita.
Theme Park Tokyo, de l’artiste de renommée internationale acky bright, dépeint la ville de Tôkyô à l’aide d’une structure traditionnelle de rouleaux d’images. bright est un illustrateur et un artiste de manga célèbre pour son art linéaire en noir et blanc, et l’œuvre exposée à Narita reflète son approche contemporaine du dessin de manga.
Jun est un artiste lié aux mondes de la mode et de la musique dont la sensibilité exquise mêle sens moderne et esprit traditionnel pour stimuler la conscience du spectateur. Son œuvre, Hitoshobu (One Shot), capture brièvement une performance de peinture en direct, soulignant la nature éphémère de la calligraphie japonaise. C’est une œuvre qui illustre la spiritualité délicate propre au Japon en utilisant des lignes abstraites pour créer des espaces uniques.
Une autre œuvre, Gravity Garden, a été créée avec un ferrofluide fluorescent rouge, vert et bleu (liquide attiré par les pôles d’un aimant). Il s’agit d’une création de KODAMA Sashiko, une artiste ayant une formation scientifique qui, depuis 2000, a été la première à utiliser les ferrofluides dans l’art, influençant par la même occasion un large éventail de domaines connexes. Sa contribution à l’exposition de Haneda, en particulier, vise à représenter le jardin japonais traditionnel en y insufflant un type particulier d’énergie magnétique et de gravité.
Dans TSUGI, PARTY a entrepris de réparer notre monde de plus en plus malade. Des régions telles que l’Arctique – dont la glace fond en raison du réchauffement climatique – et les forêts qui disparaissent à cause des incendies sont réparées, régénérées et recousues par le collectif créatif grâce au kintsugi (littéralement « menuiserie d’or »), l’art traditionnel japonais qui consiste à réparer les poteries cassées avec de la laque saupoudrée ou mélangée à de la poudre d’or et d’argent. La Terre est ainsi dépeinte sous un jour nouveau et plein d’espoir.
L’artiste et photographe MOGI Monika combine, dans Day of a Full Moon, son amour des paysages naturels du Japon, qu’elle trouve étranges et mystiques, avec son admiration pour les femmes fortes et uniques, tandis que MORI Mariko, dans Kojiki – Amenomanai, reprend des scènes du Kojiki – une ancienne chronique de mythes, légendes et récits semi-historiques sur l’origine du Japon – et les transforme en images de synthèse.
Tokyo International Cruise Terminal
Le troisième lieu de présentation du projet CULTURE GATE to JAPAN à Tôkyô est le terminal de croisière international récemment inauguré, qui accueille les œuvres de six artistes autour du thème « Back TOKYO Forth ». Le titre, en plaçant le nom de la ville au milieu de l’expression « back and forth », veut exprimer le rôle joué par les arts des nouveaux médias dans la résolution des problèmes auxquels la société actuelle est confrontée, entre regarder le passé (back) et affronter l’avenir (forth).
FUJIKURA Asako utilise le jardin de style japonais comme modèle pour mener ses recherches sur la reconnaissance spatiale et l’idée de Ma (espace) en particulier.
Le Ma est un concept important dans la culture et l’architecture japonaises depuis l’Antiquité, et a été utilisé dans la conception de jardins comme des espaces uniques où des ponts, des arbres, des pierres et un étang sont disposés artificiellement pour créer un paysage apparemment naturel. FUJIKURA évoque le Ma du jardin dans un environnement complètement différent – le terminal de croisière – en concevant un espace qui utilise intelligemment l’océan sur lequel l’installation donne et le paysage industriel qui s’étend en arrière-plan derrière le terminal.
Au cours des douze derniers mois, de nombreuses personnes en sont venues à percevoir le temps en des termes différents, comme si la pandémie de COVID-19 l’avait arrêté. C’est la prémisse du travail d’IGUCHI Kota. Jusqu’au XIXe siècle, les Japonais divisaient les vingt-quatre heures en jour et nuit, puis en six périodes. De cette façon, la durée d’une unité de temps changeait en fonction de la saison. Ils avaient également l’habitude de mesurer le temps différemment, en utilisant des échelles de temps et des dispositifs changeants (récipients d’eau, bâtons d’encens). IGUCHI met en évidence la subjectivité du temps en créant une horloge dont les motifs sont basés sur des concepts orientaux, représentant ainsi une vaste éternité qui mute et tourne en rond sur elle-même tout en recueillant différents moments du temps.
La contribution de TSUDA Michiko étudie la façon dont le Shigusa (comportement) a changé au fil du temps. Près du terminal de croisière, dans la baie de Tôkyô, on peut apercevoir les vestiges des forts qui ont été construits en 1853, lorsque le Japon a été contraint de s’ouvrir au commerce extérieur. Exactement cent ans plus tard, le réalisateur OZU Yasujirô a réalisé son chef-d’œuvre, Voyage à Tokyo, qui dépeint la vie à l’ère Shôwa (1925-1989). L’installation vidéo de TSUDA se concentre sur cette période importante de l’histoire du pays et sur la façon dont la vie des Japonais a changé en montrant (et en essayant de reproduire en performance) des scènes du célèbre film d’OZU. Après la Seconde Guerre mondiale, la vie dans la capitale a été modifiée en mettant l’accent sur le salon et la cuisine, et les œuvres de TSUDA mettent en évidence la façon dont les gens – et les femmes en particulier – se déplaçaient dans la maison tout en accomplissant leurs tâches quotidiennes. Il devient évident que les changements dans leur mode de vie ont également modifié leur comportement.
La vision que les gens ont de la vie et de la mort humaine a beaucoup évolué depuis le début de la crise du COVID-19. Dans de telles circonstances, la méditation est-elle encore une pratique valable dans le Japon moderne ? Synesthesia Lab et l’artiste sonore evala (See by Your Ears) collaborent pour présenter une expérience multisensorielle inspirée de la méditation zen, une pratique mondialement connue qui est née au Japon et qui, aujourd’hui encore, est reconnue comme une méthode d’entraînement mental, quelle que soit la religion. Leur travail cristallise ces expériences synesthésiques propres au Japon en combinant les sens de l’ouïe, du toucher et de la vue, dans le but de produire dans le cœur de ceux qui en font l’expérience ce que les artistes appellent des hazo (images vagues) intangibles.
Selon la pensée bouddhiste, l’homme naît en prononçant le son A et affronte la mort en prononçant les sons UN, la bouche fermée. Le terme A-UN qui en résulte intègre le début et la fin de toutes choses ou représente même le cercle de la vie. Le cinéaste UENO Senzô explore la relation entre la nature et l’artefact, la vie et la mort en étudiant les bonsaïs, une forme d’art dans laquelle ces idées coexistent et se soutiennent mutuellement. Comme certains bonsaïs vivent jusqu’à mille ans, ils sont transmis de personne à personne et du passé vers l’avenir. Bien que de petite taille et contenus dans de petits pots, ils montrent le passage du temps à travers les changements saisonniers.
Notre excursion se termine là où elle a commencé, sur l’île artificielle où se trouve le terminal. L’histoire de Tôkyô est intimement liée à la mer, et la ville portuaire s’est progressivement étendue grâce à des projets de poldérisation. En même temps, les gens désirent une vie stable et s’efforcent d’éviter les incertitudes, mais cela est difficile à réaliser dans un environnement intrinsèquement instable comme le sol artificiel où se dressent désormais de nombreux bâtiments. Et ce n’est pas tout : l’océan, la croûte terrestre et la vie des gens bougent et changent constamment. L’important n’est pas de contrôler ce mouvement mais de s’y adapter. Les artistes UMEZAWA Hideki et SATO Koichi réexaminent avec leur contribution l’esthétique du Yuragi (balancement) en utilisant des sons et des images basés sur un travail de terrain mené dans le Tôkyô contemporain.
Voir l’exposition « VISION GATE » en ligne :
https://culture-gate.jp/exhibition/vision-gate
